American Satan (2017)

O diabo e o rock 'n roll vão de mão em mão desde há muito, quando se ainda acreditava que Elvis estava possuído e era uma encarnação do mal. Engraçado como a história não muda...

O estado do rock e do metal moderno deu asas à imaginação a Ash Avildsen, que não só é argumentista e realizador, também fundou uma das companhias discográficas mais relevantes do género, a Sumerian Records, onde artistas como Asking Alexandria, The Dillinger Escape Plan e o grupo sensação Palaye Royale tiverem grande sucesso. 

Também bem sucedido é Andy Biersack, vocalista dos Black Veil Brides, que faz aqui a sua verdadeira estreia como actor, ao lado doutro músico que está a enveredar como actor, Ben Bruce, guitarrista dos Asking Alexandria. A eles ainda se junta um dos reis do cinema de terror, Malcom McDowell, no papel de facilitador diabólico no meio disto tudo.

Conhecemos The Relentless, uma banda cujo sonho é serem as novas estrelas do rock e estão dispostos a trabalhar para isso. Mas após de um inicio atribulado na sua carreira, estes fazem um negócio com o diabo, que lhes dá tudo aquilo que querem. Claro que esse excesso de poder traz novos problemas, em forma de sexo, drogas e sangue.

Acompanhamos Johnny (Andy Biersack), Leo (Ben Bruce), Vic (Booboo Stewart), Lily (Jessie Sullivan) e Ricky (John Bradley) durante um período de 2 anos, onde vemos-los crescerem de uma banda local a mártires com seguidores que não deixam nada se meta à frente da sua admiração por eles.

Ainda que frequentemente o filme pareça demasiado forçado nas suas acções, desde da criação de conflicto entre uma banda rival, ao acordo com uma entidade que lhes promete tudo que imaginam, existe aqui um paralelismo claro perante as inúmeras histórias de bandas que foram prometidas o mundo e que estão agora na bancarrota e com uma grande lista de arrependimentos.

Mesmo assim, existe um esforço notável para criar algo que seja mais um filme para a televisão, onde todos os ingredientes típicos para um filme do género estão presentes. Apenas funciona duma forma diferente daquilo que possam esperar, com conotações bíblicas reinterpretadas para um novo público.

Se o filme é medíocre, a banda sonora por outro lado ganha fãs, entre temas originais compostos para o filme e que são incrivelmente actuadas, a temas de bandas como Deftones e The Pretty Reckless, que frequentemente definem bem o ambiente em seu redor

Com isto, American Satan é um filme que começa duma forma descontraída para rapidamente se levar demasiado a sério, com o cheiro a sexo com groupies, cocaína, heroína, demónios e mais panóplia e meia de actividades ilícitas porque é assim que a reputação do rock 'n roll tem que ser mantida. A ideia tem algo de brilhante, mas o produto final deixa muito a desejar. Infelizmente.

Nota Final: 2/5

Suspiria (2018)

Em 1977, o mestre do terror Dario Argento mostrou ao mundo o que seria uma das suas obras mais amadas, Suspiria. Com cores vivas e uma banda sonora composta pela banda de prog-rock Goblin, esta acabaria por ser um filme de culto que inspirou centenas de filmes desde da sua estreia. Para melhor ou pior, estamos numa altura em que reboots, remakes ou re-whatever motivam a indústria cinematográfica, sendo que desta vez foi Luca Guadagnino e o seu parceiro criativo David Kajganich que ficaram responsáveis por fazer uma homenagem ao clássico filme de Argento, homenagem essa que, apesar de tudo, cria um certo tipo de expectativa à volta dele.

Dakota Johnson é Susie Bannion, uma rapariga de Ohio que se muda para um Berlim num estado caótico durante o chamado Outono Alemão. Susie faz uma audição na Markos Dance Academy, onde é aceite e faz furor junto às professoras da escola, que ficam impressionadas com o seu talento inato, sobretudo de Madame Blanc (Tilda Swinton) que a mantém próxima. Enquanto isto, as estudantes da escola estão a lidar com o desaparecimento de Patricia Hingle (Chloë Grace Moretz), uma bailarina paranóica que admite ao seu psiquiatra que acredita que a escola é controlada por um coven de bruxas, As Três Mães.

Antes de tudo, é preciso se dizer que esta nova versão de Suspiria está a algumas milhas do filme original, ao ponto de que todas e quaisquer comparações não seriam inteiramente justas. São filmes muito diferentes entre si, que começa nos visuais e estende-se até à mensagem que passa, sendo que a única semelhança que têm é a base da narrativa, que mesmo esta, é adaptada livremente neste novo filme. Dito isto, Suspiria é um filme complicado de se falar.

Começando pelo elenco, esse é fantástico, desde Johnson a encarar o protagonismo, cheia de movimento e um esplendor discreto, a mesma consegue de facto ser muito mais para além daquilo que vimos a actriz fazer até hoje; a Swinton, encarando três personagens distintas, mas focando-se em ser a directora criativa e preocupada com Susie e o que ela poderá trazer para o coven. Por outro lado, Swinton também é o psiquiatra alemão Dr. Josef Klemperer, mostrando o quão disposta está a ir na sua representação.

Do lado da narrativa, um dos pontos principais é o foco nas coreografias de dança, algo que o filme de Argento não tinha. Em várias instâncias damos por nós a ver um espectáculo de dança, com toques de terror, o que deixa uma impressão muito diferente do que esperada. Da mesma forma que Suspiria não tem qualquer receio em se mostrar como um filme bizarro, onde as cores esbatidas e os planos de câmara criam um ambiente obscuro, num crescendo de detalhes, que por fim culminam na derradeira cena final do filme.

Suspiria é tão visualmente brilhante e pensado ao pormenor criando uma abordagem orgânica, como se o espectador fosse um ser espiritual dentro do próprio filme testemunhando toda a acção. Sentirmos-nos como passivos no meio desta história deixando-nos sentir cada uma das suas armadilhas emocionais de forma mais forte e algo relativamente memorável.

Ele infelizmente mostra-se ser ligeiramente pretensioso nas suas intenções, muitas vezes passando a ideia de superioridade perante o filme original. Mas essa pretensão vem da ousadia de criar um mundo quasi-novo ao invés de uma modernização tradicional, onde as mensagens de maternidade e abuso de poder são aumentadas criando certamente algo que será centro de vários debates nos próximos tempos. 

Assim, Suspiria vem numa fase onde por mais que estejamos fartos de ver novas versões de filmes passados, criamos uma expectativa muito específica daquilo que queremos ver. Neste caso, temos um filme que utiliza uma base comum mas que o eleva para outros tipos de alturas, concentrado em exibir outros ideais na sua própria forma. Desde da forma que vemos, interagimos e ouvimos esta obra de Luca Guadagnino, ao qual se junta uma interessante banda sonora de Thom Yorke dos Radiohead, no fim há um sentimento de realização em se experienciar Suspiria mas que acaba com um sabor agridoce na mente.

A esta altura ouvem-se rumores de novas adaptações dos restantes filmes da trilogia d'As Três Mães, neste caso Inferno (1980) e Mãe das Lágrimas: A Terceira Mãe (2007), o que não é surpreendente. Agora se é algo com que se possa concordar... É uma pergunta difícil que vai em conta ao seguinte: quantas vezes a mesma pessoa pode homenagear as obras de um mestre sem nunca cair na repetição?

Nota Final: 3.5/5

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Originalmente publicado em Cinema à Rolha a 22 de Novembro de 2018

Shoplifters | Shoplifters: Uma Família de Pequenos Ladrões (2018)

Hirokazu Kore-eda é daqueles realizadores cuja filmografia está cheia de grandes pérolas cinematográficas ligadas ao valor da família, como Tal Pai, Tal Filho e After The Storm. É algo que o realizador japonês se tornou especialista e regressa novamente aos ecrãs com Shoplifters: Uma Família de Pequenos Ladrões.

Vivendo na pobreza local algures em Tóquio, conhecemos Osamu Shibata (Lily Franky) e o seu filho, Shota (Jyo Kairi), dois ladrões que roubam por necessidade. Os dois vivem com outros membros da família, Nobuyo (Sakura Andô), Aki (Mayu Matsuoka) e a avó Hatsue (Kirin Kiki), os quais dependem da sua pensão.

Certa noite, Osamu e Shota encontram a pequena Yuri (Miyu Sasaki), uma menina deixada na rua ao frio e faminta, vítima de maus tratos dos pais. Estes levam-na para casa e tomam conta dela como se fosse parte da família, dando-lhe uma segunda oportunidade de ter uma vida onde é querida e amada.

Kore-eda não perde tempo em firmar uma relação muito pessoal entre as personagens e o espectador, criando uma empatia pelas suas motivações onde a ligação familiar fomenta um sentimento muito próprio. Há também uma importância em não sobre-dramatizar a vida destas pessoas que, apesar das suas dificuldades financeiras, são totalmente capazes de fazer o melhor com o que têm, ainda que esse peso sobre os seus ombros vai em função de contar a história.

Nisto, vemos cada um a viver a sua vida, tanto de forma individual, como em família, há uma clara mostra de união, onde, face às adversidades, tudo se resolve; agora mais, com Yuri a mudar a dinâmica entre eles, fazendo todos os possíveis para para que as coisas funcionem para ter algo melhor.

Há aqui, sobretudo, uma delicadeza na forma que Kore-eda conta a sua história, dando a conhecer as várias personagens que criam o seu mundo, algo que faz e muito bem. Repleto de detalhes interessantes, o que parece ser uma simples história sobre a vida rapidamente se torna num conto próximo do coração, deixando-nos permanentemente atentos a tudo em nosso redor e reforçando diversos valores familiares.

Enquanto existe um cinema, cujo objectivo são as emoções imediatas e descartáveis, Shoplifters toma um rumo completamente oposto, frisando a importância de sentir e mais tarde reflectir uma história que cresce aos olhos do espectador. É por isso que Kore-eda é um dos grande cinematógrafos actuais, mostrando uma perspectiva que certamente mais ninguém seria capaz de fazer da mesma forma e tão bem.

Nota Final: 5/5 (originalmente 9.5/10)

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Originalmente publicado em Central Comics a 17 de Novembro de 2018

Starry Eyes | Starry Eyes - Amaldiçoada (2014)

A fama e fortuna em Hollywood tem sempre um preço a pagar, pelo menos é a ideia que fica quando ouvimos as inúmeras histórias de pessoas que se mudam para Los Angeles em busca do sonho. O duo de escritores e realizadores Dennis Widmyer e Kevin Kölsch pegam nessa temática e elevam a outro nível a mesma ideia em Starry Eyes - Amaldiçoada.

Sarah (Alexandra Essoe) é uma rapariga que procura ser actriz em Hollywood, trabalhando como empregada de mesa num restaurante enquanto vai às diversas audições. Isto até que um dia vai a uma audição duma das mais antigas produtoras de cinema de terror, a Astraeus Pictures, que após demonstrar os seus talentos, é chamada para conhecer o produtor principal.

Starry Eyes - Amaldiçoada entra no campo distinto que é o cinema de terror de série-B, onde todos os limites deixam de existir para contar uma narrativa de nuances grotescas, enquanto que acompanhamos Sarah no momento mais importante da sua vida, acabando por cair no que se pode chamar de um culto satânico, onde o sacrifício é usado como moeda de troca para se ter aquilo que se sonha.

Nisto, há uma obscuridade constante em todos os acontecimentos do filme, sobretudo nas duas cenas fundamentais que dão inicio à mudança de Sarah: as entrevistas com o produtor. Ainda em 2014, o movimento #MeToo nem era sequer um pensamento, mas as semelhanças entre o que sabemos agora sobre Harvey Weinstein e o que é retratado no filme, apenas mostram o quão podre está o seio do entretenimento, deixando no ar quantas pessoas passaram a mesma situação de estar na mesma sala com um predador.

Enquanto que, de certa forma, o filme remonta para algo nas linhas do Suspiria original de Dario Argento, existe aqui um paralelismo interessante na exploração do oculto, sobretudo no último terço do filme, onde após uma construção narrativa que por vezes descaia numa banalidade que passa completamente ao lado, para no fim ressaltar a sua própria loucura numa visão surpreendentemente assustadora. Pensava que a fama era ter uma vida cor-de-rosa!

Tirando partido dos seus pontos fortes, Starry Eyes - Amaldiçoada é naturalmente uma obra que hoje é mais importante que nunca, onde a futilidade em sermos estrelas é mais forte que as relações que temos e as supostas amizades que criamos. Nem que isso custe uma morte espiritual e um renascimento num corpo novo, garantindo o nosso lugar no céu, e no passeio algures em Hollywood Boulevard.

Nota Final: 4/5

Capharnaüm | Cafarnaum (2018)

O tema sobre migrantes refugiados nunca esteve tanto em foco como nos dias de hoje, causando um debate entre tolerantes e intolerantes sobre aqueles que procuram uma vida melhor noutro sítio. É por isso que a mais recente obra de Nadine Labaki, Cafarnaum, merece uma atenção acrescida.

Acompanhamos a jornada de Zain (Zain Al Rafeea), um rapaz de 12 anos, sentenciado 5 anos por um esfaqueamento, e que mais tarde acaba por decidir processar os seus pais por negligência. É assim que o filme se introduz, com uma injustiça social que nos deixa intrigados para saber o que realmente aconteceu, com as restantes duas horas de filme mostrarem todo o caminho que fez chegar a este ponto.

Zain e a sua família tentam diariamente sobreviver nas melhores condições possíveis num bairro libanês, com o rapaz a trabalhar numa mercearia ao fundo da rua de onde vive, fazendo o seu melhor para trazer para casa bens essenciais, como água e comida para si o os seus irmãos. Mas após os pais de Zain casarem a sua filha de 11 anos com um homem mais velho, este foge de casa em busca de um novo começo, onde conhece a etiópia Rahil (Yordanos Shiferaw) e o seu filho bebé, Yonas (Boluwatife Treasure Bankole), também eles passando por várias dificuldades.

Cafarnaum revela-se ser um melodrama que nunca é demasiado pesado, retratando uma realidade social que nunca se devia ter tornado normal. Enquanto que Zain, como actor, aparenta ser mais adulto e com uma maturidade emocional que os modelos que devia seguir, sempre disposto a tomar as decisões mais difíceis e muitas vezes altruístas. É impossível não nos querermos sentir próximos do jovem, que cria uma ligação inquebrável com o espectador, pelo menos durante as duas horas de filme.

Ao ritmo natural, vamos percebendo tudo o que ele passou, culminando com o julgamento final, onde o juiz questiona todas as acções tomadas e as intenções por detrás da sua decisão legal, e nós em lágrimas por termos testemunhado algo de tão incrível, puxando pelo lado emocional do público.

Com isto, Nadine Labaki faz questão em criar um filme numa visão documental, com um excelente balanço de carga dramática, mostrando que por mais que a vida nos deite abaixo, cabe a nós levantarmos-nos mais forte. É por isso que Cafarnaum já é o filme que irá representar a Libânia na consideração para Melhor Filme Estrangeiro nos Óscares da Academia do próximo ano.

Nota Final: 4/5 (originalmente 8/10)

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Originalmente publicado em Central Comics a 13 de Novembro de 2018